Guide du Digital Painting #4 : Croquis et Composition

Après avoir vu les différentes possibilités pour commencer son digital painting, passons au croquis. Le croquis est en général la première étape de création. C’est là que vous transposez votre idée en image.

[Article mis à jour en novembre 2013]

Avant de lire la suite, si vous avez manqué le numéro précédent de ce guide, c’est par ici :

Guide du Digital Painting #3 : Commencer l’illustration

Avant toute chose, mettons une chose au clair : un croquis, qu’il soit réalisé directement à la tablette graphique sur Photoshop ou au crayon de papier est la même chose : l’un n’est pas plus dur que l’autre. Cela fait appel au même talent, à la même main. Si vous savez dessiner sur papier, vous saurez le faire sur écran et inversement.

Que ce soit à partir d’un dessin ou directement en peignant sur Photoshop (ou Painter), le croquis est une étape cruciale. D’une part parce que c’est à ce moment qu’on va passer d’une idée, d’un concept à quelque chose de concret que l’on pourra voir et qui sera interprété par d’autres personnes. C’est pour cela qu’il est d’important de ne pas rater son croquis : afin que le message, la scène, l’histoire qu’on dessine, soit compris comme on le souhaite. Il n’y a rien de pire que ce type de scène :

« Ah tes moustaches de chat sont super réalistes !

– Ah… merci… mais il s’agit d’un bateau en fait… »

Le croquis est particulièrement important car c’est la base de votre digital painting. C’est à ce moment que vous devez décidez de votre composition, des formes, des plans, de ce qui va être montré ou suggéré, etc… Il faut qu’une fois votre croquis terminé, n’importe qui puisse décrire la scène de la même manière qu’il décrirait l’œuvre finale.

Croquis de « Dwarf rider » par Mr Jack

Pour faire simple, on ne peut pas parler de croquis sans parler de composition. Si à l’étape du croquis vous ratez votre composition, vous pourrez passer 50 heures sur votre painting, il sera toujours raté. Nous verrons donc ici quelques règles fondamentales que tout artiste doit connaître.

Faites des erreurs et recommencez

La première chose à comprendre est qu’il ne faut pas forcément s’arrêter sur ses premiers traits de crayon/pinceau. Il ne faut pas hésiter à gommer, redessiner, expérimenter voire faire plusieurs versions. Certains artistes réalisent plusieurs croquis avant de passer à la réalisation, souvent sous la forme de petites vignettes pour que cela aille vite en ne s’attardant pas sur les détails. Ainsi pour réaliser un personnage ou une scène précise, on peut très bien réaliser plusieurs croquis rapides pour déterminer l’angle et la composition qui semblent les plus adéquates. Une fois qu’un croquis est satisfaisant, on peut passer à l’étape suivante. Bien entendu ce n’est pas obligatoire mais c’est conseillé si vous êtes rapide.

Crasharktopus par psychohazard

Vous l’aurez compris, être bon en dessin est un plus car si on est rapide cette étape n’est plus une corvée. Un croquis peut être plus ou moins abouti et ne laisser que les lignes du dessin (on parle en général d’une « line ») ou alors être plus poussé et la lumière peut déjà avoir été travaillé : on a donc des plans, des valeurs : ombres et lumières déjà en place. Certains passeront seulement quelques minutes sur l’étape du croquis et une ébauche rapide leur suffira pour décider de la composition tandis que d’autres préfèrent peaufiner le croquis afin d’avoir une line parfaitement propre. Cela dépend des préférences et de la technique adoptée par l’artiste.

Croquis de « Squidtimes » par Mr Jack

Conseils avant de commencer

• Si vous avez une idée précise de ce que vous voulez peindre, préférez un brush basique pour votre croquis. Selon votre préférence, vous pouvez faire varier l’opacité et/ou la finesse du trait ou encore opter pour un brush calligraphique (j’aime beaucoup pour ma part).
• Ne partez pas d’un fond blanc dans Photoshop, préférez un gris clair. Vos valeurs seront moins « faussées » par le blanc et c’est moins bloquant. Vous pouvez même texturer à coup de pinceaux votre fond pour éviter « la feuille blanche ou grise unie ».
• Si vous êtes à l’aise en digital painting, tentez de réaliser vos croquis avec différents brushs, même les customs brushs les plus fous. Vous pourrez obtenir des résultats surprenants !
• Enfin, si vous n’avez pas d’idée précise de composition et que vous êtes à l’aise en digital painting, vous pouvez commencer votre création à partir de formes totalement aléatoires réalisées à partir de coups de brushs, de photos, d’utilisation de l’outil lasso, etc… ainsi vous laissez votre esprit reconnaître des formes parmi tout ce chaos et cela peut donner des paintings très intéressants.

La composition

L’étape du croquis est le moment de réfléchir à la composition de son illustration.La composition est pour beaucoup l’aspect le plus important dans l’art : le rôle de la composition est d’immerger le spectateur dans la scène, de lui faire voir et ressentir ce que vous voulez.

Pour faire court, une image est composée de lignes, de cercles, de toute sorte de formes que notre esprit va reconnaître et assimiler. La composition est là pour régir les éléments et les espaces dans votre œuvre. A ce stade si c’est du charabia c’est normal. 😉

Voici un exemple concret pour que vous compreniez l’importance de la composition : Si on dessine un escalier dont le haut est à gauche et le bas à droite de l’image, on pensera automatiquement que l’escalier descend mais pas qu’il monte. Etrange n’est-ce pas ? C’est parce que notre cerveau a certaines habitudes de lecture d’image. Des habitudes dont tout bon artiste doit tirer profit.

Afin de créer des compositions originales pour vos digital paintings, il faut commencer par connaître certaines règles de composition, avant d’un jour pouvoir les dépasser et créer les vôtres.

1. Le format :

Est-ce qu’on tourne la feuille dans le format paysage ou portrait avant de commencer ? Côté numérique le problème est le même : la première chose qu’on fait est de créer un nouveau document et de choisir ses dimensions.

Un digital painting horizontal est en général plus « calme et posé » qu’un painting tout en hauteur. En effet, c’est pour cela qu’un paysage ou un matte painting se verra très souvent dans un format horizontal, voire même panoramique. Le format horizontal ajoute de la « stabilité ». Au contraire, une image verticale sera à préférer pour un painting très dynamique comme une scène d’action.

Un format vertical peut aussi souligner la verticalité de l’image : mettre en avant les dimensions gigantesques d’un gratte-ciel, d’une montagne ou d’une créature, etc…

Le format vertical rend la scène d’action encore plus dynamique.

« The relic » de Noah-k : Le format vertical met ici en avant la taille gigantesque de la créature, on en a presque le vertige !

2. L’équilibre

Il peut être statique ou dynamique, l’équilibre d’une composition détermine la façon dont le spectateur va percevoir l’œuvre : pour une scène calme, il vaut mieux opter pour un équilibre statique avec par exemple beaucoup de symétrie ou un poids visuellement égal dans l’image. Un déséquilibre peut tout de suite donner beaucoup de dynamisme, attirer l’oeil vers un élément mais c’est également une prise de risque car la composition peut perdre en efficacité si le déséquilibre est mal exercé.

Eternal monument : ici la composition est très statique et parfaitement équilibrée, il en ressort un sentiment de paix et de zénitude.

On target : dans ce painting en revanche, l’équilibre est très dynamique : tout se trouve dans la partie gauche de l’image avec la focale qui se trouve très proche du bord (la boule d’énergie bleue qui attire le plus l’oeil). En revanche à droite il n’y a presque rien : cet espace sert à faire respirer la composition et faire comprendre que les personnages vont vers l’avant, que l’action se passe à droite en face d’eux.

3. La règle des tiers

Cette règle est à connaître, c’est la plus simple et la plus utilisée. Il faut imaginer l’image découpée par une grille comme ci-dessous :

Vous l’aurez remarqué, les 4 points sont ce qu’on appelle les « points forts » et il vaut mieux préférer placer l’objet central de l’illustration (ou « focale ») à peu près sur un de ces points ou le long d’une des lignes du centre. Pourquoi pas au centre s’il s’agit de l’élément central ? Tout simplement parce que cela ajoute de l’intérêt. Sinon cela risque d’être lassant, pas très « piquant ».

Way of the Wizard

Plusieurs types de positionnements sont possibles dans cette grille et je ne les décrirais pas mais il faut savoir que plus on joue avec les bords pour mettre en avant l’élément central, plus la composition peut être dynamique mais peut aussi devenir dérangeante. Il est également plus facile de rater sa composition, c’est donc une prise de risque à bien calculer.

4. Composition iconique

Cette composition particulière place la focale directement au centre de l’image contrairement à la règle des tiers. Elle est particulièrement utilisée pour des créations de personnages – mais pas uniquement – car elle permet de placer l’élément au centre de l’image et attirer toute l’attention.

En plus de centrer la focale, cette composition repose sur un losange : c’est très simple, tout ce qui se trouve en dehors ne doit pas attirer plus l’attention que ce qui se trouve à l’intérieur au centre. Il s’agit donc d’une règle de composition très forte pour mettre en avant un élément important unique dans votre création.

Comme vous pouvez le voir ici le personnage est parfaitement centré et même le sol sur lequel il repose suit la forme du demi-losange.

Ces autre exemples sont tout aussi évidents. Crysis 2 de Marek Okon (Gauche). Blood Divided de Dan Santos (Centre). Inject Me de Marc Simonetti (Droite).

5. Guider l’œil

Vous l’avez compris, l’objectif d’une composition réussie est de toujours attirer l’œil vers la focale, vers l’élément le plus important. Cela peut être réussi grâce à des règles de composition comme la règle des tiers mais également en jouant sur un contraste (de lumière ou de couleur) ou en créant des lignes imaginaires.

Celles-ci peuvent venir de lignes créent par le décor, par des courbes de tissus ou d’effets divers ou encore par des personnages regardant dans une direction, etc… Les possibilités sont infinies et c’est à vous d’utiliser cette règle à bon escient.

Concept art de Crysis 2 de Marek Okon

Dans l’exemple ci-dessus l’artiste a utilisé plusieurs astuces pour guider l’œil vers les soldats pris au piège au centre de l’image. Tout d’abord il a utilisé un fort contraste de couleurs et de lumière : la zone est beaucoup plus éclairée que le reste de l’image et ses couleurs sont très chaudes (jaune orangé de l’explosion). Ensuite le tank au premier plan éclaire les soldats de ses phares, tout comme de nombreux autres projecteurs dans cette direction. Enfin, les tirs nourris pointent eux aussi vers les soldats au centre.

 « Kicked out of our burrow » de Grosnez

Dans le digital painting du dessus les lignes imaginaires font converger le regard vers le roi gobelin. Elles sont crées par l’environnement (les nombreux ponts et escaliers qui pointent vers lui), les regards des autres gobelins ainsi que les archers pointant leurs flèches vers la créature. Il y a également un fort contraste de lumière : le roi gobelin est frappé d’une chaude lumière directe provenant du plafond.

Conclusion

Voilà quelques règles qu’il faut avoir à l’esprit pour progresser sans pour autant se plonger absolument dans des livres au point d’en oublier le plaisir de peindre ! En revanche, n’hésitez pas à apprendre plus sur les joies la composition par vous-même. Selon moi une des meilleures méthodes consiste simplement à regarder les œuvres des « maîtres » et arriver à capter l’essence de ce qu’ils font. Quels ont été leurs choix de composition ? De lumière ? Qu’est-ce qui rend leur création si unique ?

Voici enfin un tutoriel vraiment très intéressant pour réaliser une illustration classique de Star Wars. Regardez comme le choix de composition dans cette perspective à un point de fuite est soigné :

Comment peindre une illustration classique de Star Wars

Ce second tutoriel est extrêmement intéressant pour son approche de la composition, on y voit notamment les vignettes de composition réalisées par l’artiste avant de peindre en détails :

Tutoriel de l’illustration « Ash and Sam »

Vous l’aurez compris, ne négligez pas le croquis et par delà la phase de réflexion et de recherche qui l’accompagne, vous ne perdrez jamais votre temps ! Dans le prochain numéro du guide, soit le cinquième, nous aborderons des choses plus techniques et plus précises, ne manquez donc pas la suite… Un dernier conseil pour la route : exercez-vous ! il n’y a pas de secret pour progresser mais faites vous toujours plaisir.

Fin de ce numéro, à vos croquis !

Sketch par DetailedExpressions

Par ici la suite du guide du Digital painting :

Guide du Digital Painting #5 : Les valeurs = ombres et lumières

Auteur: Gaétan Weltzer, comme toujours en fait.